I løpet av sitt korte, men livlige liv skapte Rafael Santi mange mesterverk, som fremdeles ikke er like. Han var en etterfølger av kunstnerne Perugino, Leonardo da Vinci, Michelangelo, men til slutt oppnådde han perfeksjon og en ufravikelig realistisk måte i maleriet. Vi vet om det store utvalget av Raphaels malerier, men vi vil prøve å velge de mest kjente og vakreste verkene blant dem.
De 20 mest fantastiske verkene til Raphael Santi:
1
Donna Velata (1516)
Rafael var på topp i arbeidet da han malte et portrett av “Donna Velata” eller “Lady with a Veil”. Han var bare 32 år gammel.
Margarita Luti, en vanlig jente, datteren til en baker er avbildet av kunstneren med gru og kjærlighet, da hun var hans livsfølelse. Rafael var så forelsket i jenta at han tilbød faren sin et enormt kontant løsepenger - mer enn 3000 dukater. Fornarina, såkalte kona Raphael, som betyr "bun". Paret var lykkelige. Og etter 6 år døde Raphael plutselig. Margarita godtok ikke den enorme arven fra mannen sin og dro til klosteret, hvor han var kjent for å være enken hans til slutten av hennes dager.
Margarita på portrettet er avbildet i klær av delikate beige og rosa toner, hodet hennes, som det for en gift dame under et slør. Santi, forelsket, formidlet skjønnheten og den rolige karakteren til kona i en raffinert, elegant positur. Margaritas ansikt er like ømt som en fersken, øynene hennes er vakre, store og er velsignet med lykke. En vakker nakke og frisyre er dekorert med smykker. Margarita er avbildet i portrettet som en utsøkt juvel, og beundrer av mesteren for sin modell formidles til betrakteren.
Forresten, vi skrev om de vakreste øynene i verden og deres eiere i vår artikkel om most-beauty.ru.
2
Transfigurasjonen (1516–1520)
Rafael begynte å skrive “Transfigurasjon” for alteret i Narbonne-katedralen på forespørsel fra kardinal Giulio Medici, men fullførte ikke det, da han plutselig døde av en ukjent sykdom. Maleriet ble fullført av kunstneren Giulio Romano.
Handlingen er basert på evangeliehistorien da Jesus Kristus bestemte seg for å avsløre sin essens for disiplene. Fra himmelen hørte apostlene Guds røst om at Kristus er hans sanne sønn.
Etter dette dro Jesus ned fra fjellet med apostlene, og den uheldige faren vendte seg til ham med en forespørsel om å helbrede sin sønn fra djevelen som hadde bosatt seg i ham.
Raphael fremstilte Jesus svevende fremfor alt, som er et symbol på hans guddommelighet. Litt lavere, midt på lerretet - venter apostlene på Kristus, og folk samlet seg nedenfor og ventet på et mirakel av helbredelse. Den øverste lyse og luftige delen av bildet ble malt av Raphael, og den nedre delen er mørkere av en annen person. Her kan du se hånden til mesteren, som skrev på en helt annen måte.
3
Sistine Madonna (1512)
Rafael malte bildet av Maria og Kristus mange ganger, men dette verket, beregnet på alteret i kapellet til Sixtus II, ble et virkelig mesterverk. Bildet av Madonna Santi ble skrevet fra kona Margarita (Fornarina). Et vakkert, inspirert ansikt gjenspeiler universell tristhet, og smerten fra en mor som forutser sønnens selvoppofrelse og hans død til frelse for hele menneskeheten. Øverst på bildet, omgitt av eteriske engler, går Mary og holder henne kjært i armene - babyen Jesus.
Ungen er avbildet ved full helse, med litt skåpet hår. Hans engelske utseende står i kontrast til hans aldersintensive øyne, som om han allerede vet alt om sin skjebne. Sixtus II og den store martyren Barbara bøyde seg for Marias føtter. Nedenfor, på kanten av lerretet, som om de kikker ut av et vindu, ser to rampete engler opp bekymringsløse. De griper ikke inn i det som skjer, da de på forhånd vet hva som venter Mary og hennes barn.
4
Stanzi (1508-1517)
freskomaleri "Dydene og loven."
Maleriet (freskomaleriene) av Vatikanets palassbygninger, laget av mesteren sammen med studentene hans, kalles Stanza della Senyatura (det såkalte Signature Room). Veggene i dette rommet er dekorert med fresker "Athens School", "Dispute", "Justice" og "Parnassus." En av de mest kjente er freskomaleriene "Athens School" og "Dispute." Du vil nå lære om dem.
5
Atenes skole (1508)
Athensk skole.
Rafael Santi var en veldig kjent maler blant samtidene sine, og i 1508 dro han på anmodning av pave Julius II til Roma for å male hovedbygningene i Vatikanet. En av freskomaleriene fra Stanzadel Senyatur er en freskomaleri som representerer filosofi. Den kalles "School of Athens" og skildrer ledende tenkere siden antikkens Hellas. På de stigende trinnene til den athenske skolen, under de store buene i sentrum, er Platon og Aristoteles avbildet. Platon peker mot himmelen, og Aristoteles til jorden, og kobler himmel- og landrommet sammen.
Sokrates snakker med Alexander den store, Pythagoras nederst til venstre, i kretsen av studenter, opphever teoremet. Santi skildret også den store samtidige Michelangelo i bildet av Heraclitus. Euclid tegner en kompasstegning.
Raphael malte over 50 figurer i en freskomaleri. Trinnene i den avbildede bygningen stiger opp og identifiserer perioder med utvikling av filosofi og forskjellige vitenskaper.
6
Fresken "Disputation" (1509-1510)
I midten av komposisjonen ligger den hellige treenighet. Gud Fader, Jesus Kristus og Den Hellige Ånd i form av en due. Ved siden av Kristus er hans mor Maria og døperen Johannes, og så på skyen hellige sitter Peter, Paul og andre tegn i evangeliet. Under freskomaleriene fører lærde, filosofer og pontiffer i kirken en teologisk debatt.
7
Fresco "Parnassus" (1511)
Først ble denne fresken kalt "Poetry", litt senere ble den kjent som "Parnassus", den ligger mellom fresken "Athenian school" og "Disputation". Poesi ble høyt verdsatt under høy renessansen, og ble betraktet som guddommelig kunst. På en høyde i sentrum av fresken skildrer Apollo et moderne musikkinstrument - lyre da braccio, som ennå ikke hadde vært i antikkens Hellas. Ved dette formidlet Raphael kulturens kontinuitet. Rundt Apollo, muses og poeter Homer og Michelangelo, som Santi også tilskrev de store dikterne.
8
Jomfru Marias betrothal (1504)
Jomfru Marias Betrothal er kunstnerens mest ærverdige verk. Det er en logisk overgang fra malingsmåten til Perugino-skolen til en måte som vil utmerke Raphaels ferdigheter og bli en milepæl i den store renessansens tid.
Raphael ble inspirert av freskomaleriene til læreren hans Perugino. Ved å signere dette maleriet erklærte Santi, allerede som en ekte mester, seg selv for hele verden.
Hovedpersonene på bildet er Jomfru Maria og den forlovede Joseph, som legger en giftering på fingeren. Et par er omgitt av vitner om hva som skjer. Den blomstrende staben i Josefs hånd betyr at Maria er valgt av Gud. Stagene til de andre frierne, som står fra hverandre, forblir de samme, og de er ødelagte i desperasjon.
Dette er et av Raphaels mest kjente malerier. Fargeskjemaet er veldig rolig, brune og gule farger råder i den. Den knallrøde kjolen til Mary betyr Kristi blod, og den blå kappen - hennes integritet.
9
The Triumph of Galatea (1512)
Triumph of Galatea er et veggmaleri malt av Raphael for festsalen til bankmannen fra Siena Agostino Chigi. Hun skildrer nymfen i roen på vannoverflaten i Galatea, som flyr gjennom bølgene, og står på et skall tegnet av delfiner. Hun er omgitt av myrer, bløtdyr og andre fantastiske marine karakterer. Cupids sirklet over dem og siktet i alle retninger med pilene. Den utsøkte fresken er full av glede og moro.
10
The Beautiful Gardener (1507)
Raphaels "Vakre gartner" skildrer jomfru Maria og to babyer - hennes sønn Jesus og døperen Johannes. Den bedårende unge Maria er legemliggjørelsen av femininitet, morsrollen og grenseløs kjærlighet. Hun blir vendt til Jesus, litt bøyd over ham. Lille Jesus er også alt opptatt i sin mor, han trygge presset mot henne, og hun støtter ham ved armen og skuldrene. Idyllen til forståelse mellom mor og baby blir understreket av deres milde synspunkter. Lille Johannes bøyde seg for Jesus. I hans hender er et kors, som et symbol på krusifikset.
Figurene passer organisk inn i det vakre landskapet, som skaper en følelse av letthet og skyfri lykke.
11
The Three Graces (1504)
Antagelig skrev "Three Graces" Santi i en alder av 17 år. Hva fikk Raphael til å skrive et så sammensatt bilde i så tidlig alder? Santi ble tidlig igjen uten mor, og han ble alltid tiltrukket av Madonnas rene bilde, som et symbol på ungdom og morsrollen. Raphael skapte "Three Graces" og kombinerte bildet av de gamle gudinnene og ansiktet til den plettfrie Madonna, ettersom nådene var et symbol på ungdom, kjærlighet og renhet.
De tre nådene som identifiserte disse vakre opphøyde egenskapene ble kalt Beauty, Love and Innocence. Jentene på bildet er unge og vakre, ansiktene deres lyser av renhet og vennlighet. De klamrer seg forsiktig fast til hverandre og hver i hånden hans har gyldne kuler - et symbol på de legendariske perfeksjonens eplene oppnådd av Heracles. Den sentrale figuren i en av nådene vendes med ryggen til betrakteren, de to ekstreme figurene vender mot betrakteren, men øynene deres er rettet i forskjellige retninger. Dette tidlige maleriet av Raphael er et av de første trinnene på veien til plettfri perfeksjon.
Vil du vite hvilke kvinner, i følge most-beauty.ru, som er de vakreste i dag? Følg lenken.
12
"Portrett av grev Baldassare Castiglione" (1515)
Grev Baldassare - en italiensk diplomat og skribent, var ambassadør for hertugen av Urbinsky, tjente ved hoffet til kong Ludvig XII av Frankrike. Han forfatter boken "Dialogues on the Court", populær i disse dager, som beskriver utsøkte skikker og samtaler i løpet av den dannede Urbinsky Court. Raphael fremstilte greven som en veldig verdig og intelligent mann, som en hel natur. Portrettet er malt i mørkebrune toner, og bare fargen på blå øyne tiltrekker oppmerksomhet. Dette selvsikre og rolige utseendet tiltrekker seg på magisk vis.
13
"Posisjon i graven" (1507)
Blant den italienske adelen var det en tradisjon, til ære for en tragisk hendelse, å bestille malerier fra fremtredende kunstnere med evangeliets historie. Slik var bildet "Posisjon i graven", som ble bestilt av Atalanta Baglioni til minne om den avdøde sønnen. Det er mange tegninger og skisser laget av Raphael før du starter arbeidet.
Som et resultat av et så titanisk verk ble et bilde med en upåklagelig komposisjon født. Det representerer to grupper mennesker skilt av to tenkelige linjer som avviker i forskjellige retninger. Kvinner som følger med Jomfruen, vippes til høyre, menn som bærer Kristi legeme til venstre. Kristus er avbildet i sentrum. Hans ideelle idrettslegeme ligner Kristus og skulpturen “Pietta” av Michelangelo, siden kunstneren på den tiden var veldig imponert over kreativiteten til denne titanen av skulptur og maleri.
14
Fornarina (1520)
Bildet er malt i olje på en treplate. Kunstnerens studenter deltok også i dette arbeidet. Bildet viser en halvnaken ung kvinne i en utsøkt hodeplagg. Modellen var kona til Raphael, som han ømt kalte "Fornarina", som er oversatt fra italiensk som "bun." Faktisk ble kunstnerens vakre kone Margarita Luti. Santi skrev gjentatte ganger sin elskede, hun inspirerte ham i mer forhøyede bilder, for eksempel den sixtinske Madonna.
15
Fresco "The Expulsion of Eliodor" (1512)
Handlingen til dette veggmaleriet ble lånt fra tekstene i Det gamle testamente. Kommandøren for den syriske kongen, Eliodor, prøvde å beslaglegge gull fra tempelet i Jerusalem for de fattige. For dette straffet Gud ham ved å sende ham en rytter i gull rustning. Fresken var en allegori om nederlaget til franske tropper i den pavelige regionen under ledelse av pave Julius II, som ikke bare var kjent som en utmerket militærsjef, men også som en sjenerøs filantrop. Dette veggmaleriet ligner visuelt på murene på Athens School. Komposittmessig er det delt i to like store deler - venstre og høyre. På venstre side skildret Rafael skytshelgen pave Julius II og en mengde enker og foreldreløse barn, og på høyre side - Eliodor, som blir kjørt ut av templet av en rytter på en hvit hest.
Et vakkert konstruert perspektiv av komposisjonen formidler romdybden, på konvergenspunktet for alle linjene er det vist en mindreårig, noe som indikerer at dette er Det andre tempelet i Jerusalem. Arrangementets store sted understrekes av det rike maleriet av hvelvene.
16
“Slaget ved St. George med dragen” (1504–1505)
Da han forlot Perugia, dro Raphael til Firenze, der han omgitt av store malere tegnet nye ideer og metoder for å male. Maleriet "Slaget ved St. George med dragen" er malt i olje på et tre og identifiserer overgangsperioden fra stilen til den umbriske skolen, som var lineær, til stilen på den florentinske skolen. Santi ble sjokkert over verkene til Leonardo og Michelangelo, deres realisme og dype mening. Den bibelske historien om temaet St. George the Victorious var veldig populær, og Raphael kunne ikke gå glipp av sjansen til å male et bilde om dette emnet. hvit hest George tråkker drageens hover, og helgen stikker ham gjennom spydet.
St. George er avbildet i middelalderens rustning og ser mer ut som en ridder. Dragen er avbildet av et utenkelig eventyrmonster, som kombinerer deler av forskjellige fugler og dyr. Bildet er ekstremt realistisk, landskapet som slaget foregår mot er skrevet nøye ut, men det tetter ikke forgrunnen. Den dempede brun-oliven-strekningen understreker perfekt hvitheten til hesten og utstrålingen av rytterens rustning.
17
“Madonna of the Grand” (1505)
Det er en veldig interessant artikkel om den vakreste Madonnas av Santi på nettstedet TopCafe.su.
“The Madonna of the Grand” skildrer den mest populære gospelhistorien - Madonna and Child. Det ble skrevet under stor innflytelse fra verkene til Leonardo da Vinci. Dette merkes spesielt når du sammenligner dette bildet med tidligere verk av Raphael. Den er laget i sphumato-teknikken, som mykgjør konturene til figurene, overfører luft og rom. Studier av restauratører viste at det tidligere ble vist et vindu med et landskap bak Madonna, som i noen verk av Leonardo. Men senere ble vinduet malt over, og bakgrunnen til bildet ble helt mørk. Hvem som gjorde denne bakgrunnen - forfatteren selv eller påfølgende restaureringer - er ukjent.
Maria er kledd i en rød kjole med en svart kant, klassisk for 1500-tallet, med et blått slør kastet over hodet. Disse fargene er tradisjonelle - røde betyr symbolet på Kristi blod, og blå betyr jomfruens renhet. Marias ansikt er trist og rolig på samme tid. I hendene holder hun forsiktig babyen Jesus, som ser ut som et vanlig barn, lubben og sterk. Deretter brukte dette bildet Rafael i sine andre malerier som skildrer Madonna og barnet.
18
“Madonna in the stolen” (1515)
“Madonna in the Chair” er et av de vakreste maleriene fra renessansen, som skildrer Madonna and Child. Modellen for Raphaels maleri ble igjen servert av hans elskede modell, kjæresten og kona Margarita. Dette verket gjenspeiler størrelsen og modenheten til kunstneren.
Bildets runde form myker bildet, gjør det koselig og hjemmekoselig. Hele plassen er fullstendig fylt med tre figurer - Maria, babyen Jesus og babyen døperen Johannes. Baby Jesus tar sentrum og sitter komfortabelt i armene til sin mor. Mary holder sønnen tett mot seg, samtidig som døperen Johannes ser på Kristus med bønn. Lyse farger dominert av blå, saftig rød, smaragd og gylden oker ser utrolig vakker ut mot en mørk bakgrunn. Og til tross for at Mary ser ut som en vanlig jordisk kvinne som klemmer barnet sitt, de elegante klærne, understreker hennes åndelige sublime skjønnhet Madonnas høye status.
19
Portrett av pave Julius II (1512)
Det er to lignende portretter av pave Julius II, hvorav den ene er Santis originale verk, og den andre er en kopi av portrettet, laget av Raphaels disipler. Samtidige hevdet at paven i portrettet ser ut som om han var i live.Den røde mantelen til paven ser veldig kontrast ut mot en lysegrønn bakgrunn.
Papas ansikt er rynket og innrammet av et grått skjegg, øynene hans er gjennomtenkte og gjennomtrengende, men generelt er figuren til Julius II fortsatt full av styrke og energi. Denne mannen ledet aktive militære kampanjer i løpet av sin levetid, men samtidig var han en fantastisk filantrop som støttet arbeidet til Leonardo, Michelangelo og Raphael. Et år etter at portrettet ble malt, døde pave Julius II, men forble for alltid i Raphaels maleri. En unik pave, beskytter av høy renessansekunst.
20
Portrett av en ung mann (1513-1514)
Antagelig er dette Raphaels selvportrett, siden ansiktet til den unge mannen er veldig likt kunstnerens eneste bekreftede selvportrett. En veldig kjekk ung mann sitter halvveis mot seeren. Hans lange brune hår falt ned uforsiktig over skuldrene under en berømt slitt baret. En avslappet positur fra en ung mann antyder at han kjenner sin egen verdi.
Under andre verdenskrig stjal nazistene dette bildet fra godsene til Princes Czartoryski (Polen) og gjemte det på et ukjent sted. I lang tid ble hun ansett som tapt. Bare mange år senere bekreftet den polske regjeringen at maleriet er trygt i en privat samling.
Etterord
Arbeidet til Raphael Santi er en verdensarv for menneskeheten. Denne geniale skaperen av den store renessansen ga oss, hans etterkommere, unike og vakre eksempler på maleri. Han ble respektert av sine samtidige som etter kunstnerens død skrev på sin gravstein at i løpet av livet var naturen redd for å bli beseiret og redd for å dø etter hans død.
Det var en liste over de mest kjente maleriene av Rafael Santi i henhold til most-beauty.ru. Vi vil fortsette å glede deg med vår visjon om de beste verkene til store mestere. Vi forventer bare objektiv kritikk fra deg, så vel som ønsker og tanker om Santis og andre kunstners arbeid.